PROGRAMA
INÉS BADALO (1989-)
Anthophila (2022), versión para saxofón alto y piano (5′)
MAYU HIRANO (1979-)
Narcisses en eaux troubles (2018), para saxofón soprano (6′)
JUANLU MONTORO (1991-)
Credencial (2026), para un cuerpo para saxofón, danza, electrónica en vivo (7′)
ERIKA VEGA (1987-)
Jiak Noki», el chapulín brujo (2026)
JOSÉ MARIA SANCHEZ-VERDÚ (1968-)
Schattentheater 2 (2002), para saxofón alto y piano (4′)
BALZ TRÜMPY (1946-)
Seis Cuadros – Sechs Bilde (2024), para saxofón soprano y saxofón alto y piano (20′)
CUADROS / BILDER, NUEVAS OBRAS PARA SAXOFÓN Y PIANO
Cuadros, nuevo proyecto del dúo Urrestarazu-Lenzin, versa sobre piezas de compositores contemporáneos españoles y suizos, poniendo en diálogo obras creadas especialmente para esta formación.
Los títulos pictóricos de las piezas de este concierto se combinan con un proyecto visual desarrollado bajo la idea de “cuadros”. En lugar de representar imágenes literales o elementos visuales directos, los videos exploran la transitoriedad del arte y la memoria, generando una experiencia sensorial de transformación constante. Los visuales acompañan las composiciones musicales creando una atmósfera de interacción entre lo sonoro y lo visual, donde los límites entre los medios se desdibujan y lo abstracto adquiere un papel central.
El artista español Alberto Tarsicio crea las proyecciones en colaboración con el dúo.
En esta nueva versión del proyecto se incorpora la dimensión corporal a través de la danza. La presencia de la bailarina Ximena Carnevale no ilustra la música ni traduce literalmente los “cuadros”, sino que actúa como un cuerpo en tránsito entre imagen y sonido. La danza se convierte en un tercer plano perceptivo: un espacio intermedio donde lo visual proyectado y lo sonoro encuentran resonancia física.
El movimiento dialoga con la idea de cuadro entendido como instante suspendido. Cada pieza propone un paisaje emocional distinto, y la bailarina explora esos estados desde la transformación, la fragmentación y la memoria corporal. Su presencia oscila entre lo tangible y lo efímero, entre figura y sombra, integrándose en las proyecciones como si emergiera o se desvaneciera dentro de ellas.
Así, el proyecto evoluciona hacia una experiencia escénica interdisciplinar donde música, imagen y cuerpo construyen una dramaturgia abstracta. No se trata de una narrativa lineal, sino de una sucesión de “cuadros vivos” en constante metamorfosis.
DÚO URRESTARAZU – LENZIN
El Dúo Urrestarazu – Lenzin (saxofón y piano) nace en 2018 con motivo de la presentación en Málaga de su proyecto La senda de las emociones, un espectáculo multidisciplinar que integra danza, electrónica, textos conceptuales y creación audiovisual.
En 2019 publican su primer CD, fruto de un riguroso trabajo de investigación centrado en transcripciones inéditas para saxofón y piano, entre ellas la Sonata para viola (1919) de Rebecca Clarke. Este proyecto discográfico fue seleccionado entre los 10 discos recomendados del mes de octubre de 2020 por la revista nacional Ritmo.
En 2021 estrenan en Basilea un nuevo programa dedicado a compositores suizos. El CD resultante de este proyecto fue publicado en otoño de 2022 en colaboración con la radio pública suiza SRF.
Profundamente comprometidas con la creación contemporánea y con una especial sensibilidad hacia la visibilización del papel de la mujer en la música, el dúo estrena obras de nueva creación y presenta nuevas versiones de compositores como Jost Meier, Marcelo Nisinman, Balz Trümpy, Anita Mieze, Inés Badalo y Nelly LiPuma.
PROGRAMA
JUAN PABLO PETTORUTI (1987-) Un corte para activar la racha (2026), electrónica (1’)
VÍCTOR IBARRA (1978-) …de las sílabas del agua (2025), para oboe (7’)
PEDRO GARCÍA VELÁSQUEZ (1984-) Interludio Guaguancó I (2024), electrónica (3’)
PEDRO GARCÍA VELÁSQUEZ (1984-) Guaguancó metálico (2024), para oboe (7’)
ADRIÁN SUÁREZ (1969-) Wirapuru (2018), para oboe y electrónica (3’)
DAVID NÚÑEZ (1970-) Intermezzo del maestro igno- rante (2026), electrónica (2’)
DAVID NÚÑEZ (1970-) TAYPI (2025), para oboe y electrónica (8’)
LUIS QUINTANA (1988-) Aguanilé (2017), electrónica (2’)
MIRTRU ESCALONA-MIJARES (1976-) MURANKÏNËTO’ (2023-2026), para oboe y electrónica en vivo (8’)
CAROLINA CARRIZO (1986-) Sem elle (2026), electrónica (1’)
ARTURO CORRALES (1973-) Merengoe (2026), oboe y electrónica (10’)
Vicente Moronta, oboe.
SONGS OF REEDS IV. RESPNANCIAS LATINOAMERICANAS PARA OBOE Y PÚBLICO RUMBERO.
SONGS OF REEDS (IV Edición) titulada Resonancias latinoamericanas para oboe y público rumbero, plantea la resonancia como una metáfora del diálogo: un viaje sonoro a través de la diversidad estética, geográfica y simbólica de América Latina y el Caribe, en el que el oboe se transforma en voz, cuerpo y puente entre la tradición y la experimentación, la memoria y la tecnología, el intérprete y el espacio.
Bajo la dirección artística de Vicente Moronta, Songs of Reeds IV presenta obras de compositoras y compositores como Arturo Corrales, Carolina Carrizo, Mirtru Escalona-Mijares, Víctor Ibarra, David Núñez, Pedro García-Velásquez, Luis Quintana, Juan Pablo Pettoruti y Adrián Suárez, quienes, cada uno desde perspectivas diferentes, proponen una nueva visión contemporánea del paisaje sonoro latinoamericano. Desde la región amazónica hasta el Caribe urbano, las piezas combinan tecnología, literatura y corporalidad, y unen investigación antropológica, creación artística e interpretación.
VICENTE MORONTA
Vicente Moronta es un oboísta, docente, investigador y gestor cultural venezolano con una destacada trayectoria internacional en el ámbito de la música contemporánea. Formado en Caracas, Lübeck, Basilea y Frankfurt, ha colaborado con directores como Claudio Abbado, Simon Rattle y Gustavo Dudamel. Durante más de doce años fue miembro de la Orquesta Sinfónica Simón Bolívar, actuando en importantes salas y festivales internacionales como el Festival de Salzburgo, el Lucerne Festival o los BBC Proms.
Especializado en creación contemporánea, numerosos compositores le han dedicado obras y ha colaborado con ensembles como Ensemble Modern y Ensemble Recherche. Ha grabado para sellos e instituciones como Deutsche Grammophon, IRCAM y diversas radios europeas. Actualmente es Director de Música Contemporánea del Teatro Teresa Carreño y Director Artístico del Ensamble Contemporáneo de Caracas. Además, impulsa proyectos pedagógicos y de divulgación dedicados a acercar la música contemporánea a nuevos públicos.
PROGRAMA (A DETERMINAR)
Este concierto presenta las obras desarrolladas en el marco del Taller de Composición de KlexosLab, un espacio de trabajo en el que compositores y compositoras seleccionadas a nivel internacional colaboran con los ensembles residentes del festival: Vicente Moronta, Nemø Ensemble y Klexos.
A lo largo del proceso, las piezas se construyen desde el diálogo directo entre escritura, interpretación y escucha. Las sesiones de trabajo con los grupos residentes, junto a la supervisión de Matthew Shlomowitz y Pedro González, permiten que cada propuesta evolucione en contacto con la práctica instrumental, la experimentación sonora y el intercambio artístico.
Más que un punto final, este concierto es una muestra del proceso creativo que define KlexosLab: un lugar donde las ideas se prueban, se transforman y encuentran nuevas formas de existir en escena. La diversidad de procedencias, lenguajes y sensibilidades de las personas participantes convierte este programa en un espacio de cruce, aprendizaje y apertura hacia las músicas del presente.
PROGRAMA (A DETERMINAR)
Este concierto presenta las obras desarrolladas en el marco del Taller de Composición de KlexosLab, un espacio de trabajo en el que compositores y compositoras seleccionadas a nivel internacional colaboran con los ensembles residentes del festival: Vicente Moronta, Nemø Ensemble y Klexos.
A lo largo del proceso, las piezas se construyen desde el diálogo directo entre escritura, interpretación y escucha. Las sesiones de trabajo con los grupos residentes, junto a la supervisión de Matthew Shlomowitz y Pedro González, permiten que cada propuesta evolucione en contacto con la práctica instrumental, la experimentación sonora y el intercambio artístico.
Más que un punto final, este concierto es una muestra del proceso creativo que define KlexosLab: un lugar donde las ideas se prueban, se transforman y encuentran nuevas formas de existir en escena. La diversidad de procedencias, lenguajes y sensibilidades de las personas participantes convierte este programa en un espacio de cruce, aprendizaje y apertura hacia las músicas del presente.
PROGRAMA
XAVIER BOFILL (1985), 2×2 (2020), para dos voces (11’)
PETE HARDEN (1979), Berlin Bells (2015), para violoncello, flauta, teclado y percusión (8’)
BEN NOBUTO (1996), Trio (for ivy house) (2024), para violoncello, flauta, teclado y percusión (25’)
Bert De Rycke, teclado/piano.
Jasmijn Lootens, violoncello
Wim Pelgrims, percusión.
Francisco Rojas, flauta.
RESONANT THREADS
Desde su aparición a finales del siglo XX de la mano de figuras como Steve Reich y Philip Glass, la música minimalista ha evolucionado hacia un lenguaje postminimalista más flexible. La repetición y el cambio gradual siguen siendo centrales, ahora atravesados por la electrónica, la improvisación y una atención intensificada al sonido. Como la hiedra que se expande sobre una superficie, estos procesos arraigan, se ramifican y se transforman con el tiempo. Las tres obras de este programa reflejan ese carácter orgánico y expansivo.
2×2 es, en esencia, un acertijo: dos intérpretes repiten una única altura —el do central— en instrumentos de su elección. Mediante electrónica en vivo, esta reducción extrema comienza a desplegar delicadas ramificaciones de textura y resonancia. Lo que parece fijo se llena de variaciones, como un patrón invadido lentamente por un crecimiento natural. Las versiones presentadas revelan esta dualidad: paralelas, pero distintas.
En Berlin Bells, una línea de violonchelo, un espectro armónico unificado y un lento crescendo de platillo forman una superficie sonora continua. La música avanza con una persistencia silenciosa, más cercana a un paisaje que a un gesto. Lo aparentemente inmóvil está en constante transformación, como si el sonido se expandiera lentamente sobre una superficie.
Finalmente, Trio (for ivy house) de Ben Nobuto explora el espacio entre sonido acústico y electrónico. Patrones susurrantes y melodías frágiles se entrelazan con sus sombras digitales, creando una textura simultáneamente cultivada y salvaje. La hiedra deja aquí de ser metáfora para integrarse en la identidad de la obra.
Nemø Ensemble
Nemø Ensemble fue fundado en septiembre de 2017 y se dedica a la interpretación de música contemporánea y experimental. El colectivo busca conectar el repertorio existente con nuevas obras de jóvenes creadores que no temen cruzar fronteras entre géneros y disciplinas artísticas. El grupo cuestiona el formato tradicional de concierto explorando nuevas formas de presentación, dando lugar a experiencias inmersivas que reducen la distancia entre quienes escuchan y quienes interpretan.
Para Nemø, el arte significa reunir a las personas en un contexto alejado del ritmo acelerado de la vida cotidiana. Cada propuesta se concibe como un “contexto intensificado” que invita al público a involucrarse plenamente en el momento presente. Por ello, Nemø Ensemble no solo actúa como intérprete, sino también como agente curatorial que construye y enmarca la experiencia musical. En colaboración con otros artistas, el ensemble explora las posibilidades de la luz, el espacio y el movimiento dentro de sus performances multidisciplinares.
Dúo de saxofón y piano centrado en repertorio contemporáneo, transcripciones inéditas, compositoras y proyectos discográficos reconocidos internacionalmente.
Oboísta venezolano, combina interpretación contemporánea, docencia, investigación y gestión cultural, colaborando con destacados ensembles, compositores e instituciones internacionales.
Nemø Ensemble interpreta música contemporánea y experimental mediante formatos inmersivos que integran nuevas creaciones, espacio, luz, movimiento y curaduría artística.
Ensemble que explora la nueva creación musical mediante saxofones, performance, videoinstalación, tecnología y colaboración con compositores.
Compositor australiano afincado en Londres, crea música instrumental y teatral que combina acción física, humor, grabaciones y reflexión estética.
Compositor español, desarrolla una obra contemporánea centrada en gesto, tecnología, escena, escucha crítica y experimentación instrumental.
